Exposición colectiva de artistas externos – Espai Cenit
Con el objetivo de fomentar la experimentación, la diversidad artística y la exploración estética, Espai Cenit abrió en Diciembre 2023 la Convocatoria OPEN, abierta a propuestas de cualquier forma de expresión artística.
Como resultado de la convocatoria, se celebrarán varias exposiciones colectivas OPEN de lxs artistas seleccionadxs en Espai Cenit, la primera del 29/12/23 al 16/01/24:
TRISTAN MACHEREL
El acto de caer es una metáfora que resume la complejidad de la existencia y la fragilidad de la condición humana. Caer es un alejamiento de los terrenos seguros de lo conocido, una rendición a las fuerzas que guían nuestra trayectoria. Es un recordatorio visceral de que la incertidumbre es la única constante. El acto de caer revela una belleza paradójica que surge de la colisión de la vulnerabilidad y la resiliencia. El descenso de elementos encapsula la profunda poesía de la impermanencia. Es un recordatorio de que todo está sujeto a la fuerza implacable del cambio.
La esencia de estas obras de arte radica en su sencillez, centrándose en las formas esenciales. Los elementos gráficos están colocados de una manera que sugiere una sensación de gravedad y movimiento, lo que lleva a los espectadores a contemplar la naturaleza transitoria del tiempo y la realidad. En la interacción entre los elementos que caen y el fondo texturizado, discernimos la intrincada relación entre lo efímero y lo duradero. Las pinturas nos recuerdan que estamos en un perpetuo estado de devenir, suspendidos entre el pasado y el futuro.
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ZOË LEBLANC DE SMITH
Zoë es una pintora y educadora estadounidense que desarrolla su práctica artística en Barcelona y L’Hospitalet de Llobregat. Tiene un grado en Bellas Artes y Educación de Arte así como un diploma posgrado en Studio Arts.
Sus obras se centran en el concepto de lo artificial, abordando el tema a través de retratos y escenas coloridos e iluminados por luces artificiales. Hace fotos nocturnas en bares y discotecas buscando momentos efímeros e inquietantes en que la luz artificial muestra otra perspectiva de la reali- dad. Usando las fotos como referencia, pinta sobre varios soportes como plástico reflectante y tejido de alta visibilidad, además de tela tradicional.
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ni · ko · ru (NICHOLE HASTINGS)
Sus obras se centran en el concepto de lo artificial, abordando el tema a través de retratos y escenas coloridos e iluminados por luces artificiales. Hace fotos nocturnas en bares y discotecas buscando momentos efímeros e inquietantes en que la luz artificial muestra otra perspectiva de la realidad. Usando las fotos como referencia, pinta sobre varios soportes como plástico reflectante y tejido de alta visibilidad, además de tela tradicional.
Nichole Hastings trabaja con todo tipo de arcillas en el torno de alfarería y esculpe a mano, ya sea gres, loza o porcelana, para crear piezas tanto funcionales como puramente decorativas. En los últimos cinco años, ha experimentado con el tallado en arcilla para crear imágenes en relieve elevado, utilizando impresoras 3D y materiales orgánicos con porcelana líquida. También experimenta con el uso de otros materiales en sus piezas de cerámica para crear esculturas con esmaltes y plásticos, montándolos en madera y metal.
«Creo piezas que muestran la belleza surgida del dolor, discuten la esperanza que surge de la desolación y exploran nuevos comienzos y posibilidades que surgen de acontecimientos trágicos. Busco impregnar mis obras con pensamientos y emociones que sean profundamente espirituales, pero también puedan ser una verdad filosófica cortante o una realización cruda. Trato temas como el duelo, el luto, las luchas de identidad y los problemas de los adoptados coreanos, la violencia (tiroteos, guerra y genocidio), la impermanencia y la insignificancia cósmica.»
Nichole Hastings
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JODE (JOSÉ CARLOS VELAYARSE)
JODE es percusionista de salsa y logra identificar más colores que formas, afirmando: “Dado que soy percusionista, en cuestión de colores, podría interpretarlo con ritmos”, dejando claro que su percepción reacciona a las sensaciones causadas por el sonido.Las famosas composiciones de Kandinsky eran, en realidad, pinturas de sinfonías, en su mayoría de autores rusos. JODE habla vehementemente de las huellas de su existencia “con irrupciones involuntarias o a menudo disruptivas que se disuelven en destellos de luz, en las imágenes precipitadas resultantes y en dibujos formados por líquidos arrojados en el tiempo que aún está presente como fuente, o incluso como parte, de energía”. Estas pinturas proyectan lo que el propio artista aventura como “un estilo destartalado”. Es esta relación inestable, casi siempre invisible, de las partes con el todo lo que anticipa los zigzags, símbolos y manchas.
JODE va más allá de los márgenes de sus pinturas; escapa al tiempo que lo sigue, formando barreras o bloqueos internos. Lo invisible se ha vuelto visible porque Lima no ha sido gris durante mucho tiempo, y eso es JODE.
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EUGENIO SHAPOVAL
Las obras de Eugenio Shapoval se basan en explorar los sutiles matices de la naturaleza humana y nuestra sensibilidad emocional. Él cree que la confusión y los pensamientos son la base de nuestro ser y la principal fuente de creatividad. Las obras de Shapoval no tienen formas definidas porque no pretende limitar la percepción del espectador. Quiere que cada espectador defina su camino personal a través de sus pinturas.
El artista se sumerge en sus vivencias para plasmarlas en el lienzo. Él cree que las emociones pueden conducir a la comprensión del espectador de su propia confusión y pensamientos. Las pinturas de Shapoval son un espejo para el mundo interior y exterior, despertando su sensualidad. Su obra de arte encarna la filosofía existencial porque se basa en una percepción subjetiva del mundo. Donde su individualidad está velada por la sensibilidad, bajo la propia naturaleza de la pintura.
